L’apertura del libro è dedicata al fondamentale capitolo del linguaggio. Gli spunti di riflessione che questa prima parte potrà offrire sono collegati all’uso inconsapevole e consapevole del linguaggio, che resta, quell’irrinunciabile strumento di relazione tra noi e il mondo. La seconda parte, tira dentro questo apparente innocuo capitolo della visione le questioni di fisiologia ottica, di fisica fotonica e psicologia percettiva. Niente paura, se sono cose che ho capito io può comprenderle chiunque. L’ultimo capitolo è quello riferito alla teoria e psicologia della forma. Per colpa o per merito di queste pagine alcuni lettori si dovranno ricredere sul significato di verticale ed orizzontale, come probabilmente non potranno fare a meno di andare a leggere la natura degli effetti ottici ed i significati dei colori.

Valido strumento per ricercatori, studenti e insegnanti, questo libro è rivolto a tutti coloro che nutrono un interesse per l’India e per le sue forme artistiche e spirituali e offre inoltre un tesoro tecnico per i danzatori e uno spunto di riflessione per i praticanti di yoga. In esso si indaga infatti sulla tradizione millenaria indiana, in modo particolare sulla relazione tra l’uomo, il divino e l’arte. La danza si offre come esempio sublime di unità delle arti: è teatro, è narrazione di storie divine che fanno dimenticare al danzatore ogni sentimento personale, è geometria, è rito, è preciso sistema di sguardi e gesti, è tutto ciò che lo spettatore, anch’egli protagonista attivo, realizza dentro di sé.

Ho una sola consolazione: quella di dirmi che mai ho potuto usare forme procedenti da vie logiche, ma solo quelle che un interno impulso faceva nascere in me. Mai ho potuto "combinare" una forma: ogni forma voluta mi ripugnava. Quelle di cui mi sono servito nascevano spontaneamente, mi si presentavano già pronte davanti agli occhi, non mi restava che copiarle; oppure si formavano mentre lavoravo e spesso avevano il potere di sorprendermi. Con gli anni appresi a guidare un poco questa forza creatrice. Mi sono esercitato a non lasciarmi semplicemente andare, ma a dirigere e a frenare la forza che opera in me. Con gli anni ho imparato che il lavoro con il batticuore, un senso di oppressione al petto e di angoscia in tutto il corpo, con dolori intercostali, non basta. Può salvare l'artista ma non la sua opera. Il cavallo porta il cavaliere con forza e velocità, ma il cavaliere guida il cavallo. Il talento trascina l'artista con forza e rapidità verso grandi altezze, ma l'artista conduce il suo talento".

L'Occhio e lo Spirito è l'ultimo scritto che Merleau-Ponty del 1960, che doveva essere quello delle sue ultime vacanze. Stabilitosi, per due o tre mesi, nella campagna provenzale, Merleau-Ponty reinterroga la visione, e al tempo stesso la pittura. O piuttosto, egli la interroga quasi fosse la prima volta, come se tutte le sue opere precedenti non pesassero sul suo pensiero, ovvero pesassero troppo, in modo tale che egli dovette dimenticarle per riconquistare la pienezza dell'incantamento.

Lo spirituale nell'arte non è una dichiarazione di poetica, non è un trattato di estetica, non è un manuale di tecnica pittorica. È un libro di profezie laiche, in cui misticismo e filosofia dell'arte, meditazioni metafisiche e segreti artigianali si sovrappongono e si confondono, nel presentimento di un'arte nuova. L'aurora della pittura, che Kandinsky crede di annunciare, si riverbera anche sulle sue pagine, che ci appaiono insieme incerte e perentorie, divise tra ombra e chiarore.

Questa autobiografia, scritta da Bunuel negli ultimi anni di vita con l'aiuto dell'amico e collaboratore Jean-Claude Carrière appare oggi come un testamento e come il prezioso, avventuroso riepilogo di una grande stagione artistica narrata con vivacità e divertimento. L'educazione cattolica, l'amicizia con Garcia Lorca e con Salvador Dalì, l'incontro con Breton e quello con Fritz Lang, la Hollywood degli anni d'oro e la Parigi dei mitici anni Venti, il Messico e la Spagna come terra d'ispirazione: ecco alcuni degli innumerevoli argomenti trattati in questo libro da un protagonista della cultura del nostro tempo.

Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro o Il cavaliere blu) fu un gruppo di artisti formatosi a Monaco di Baviera nel 1911 e attivo fino al 1914 ovvero fino allo scoppio della prima guerra mondiale che ne causò la dispersione. Fu il secondo in senso temporale dei due nuclei fondamentali dell'espressionismo tedesco, dopo Die Brücke fondato a Dresda nel 1905. Il gruppo non ebbe un vero e proprio manifesto, ma pubblicava un bollettino che portava lo stesso nome del gruppo e che si caratterizzò sin dall'inizio in senso cosmopolita e interdisciplinare. L'attivismo di Kandinskij e del suo gruppo lungi dal caratterizzarsi in senso politico (come era accaduto a Die Brucke) si avvicinava piuttosto all'atteggiamento dei Fauves francesi, per un fondamentale senso lirico e gioioso della vita.

Paolo Beneventi e David Conati hanno scritto a quattro mani una guida in cui spiegano come «fare animazione teatrale» costituisca un approccio globale al sapere e alla conoscenza, ricollegabile alle più recenti acquisizioni della psicologia dell’età evolutiva, in grado di rispondere a una serie di esigenze proprie dei bambini. In particolare, sottolineano il carattere non settoriale e specialistico di questa attività e la possibile e proficua «convivenza», nella pratica, del lavoro sul corpo con l’utilizzo della tecnologia: dalla televisione al computer, dai videogiochi a Internet. Confrontandosi a partire dai percorsi professionali e per certi aspetti complementari, offrono ai lettori una guida agile e di gradevole lettura e consultazione, ma al tempo stesso esauriente, che aiuta a capire cos’è l’animazione teatrale, che cosa può diventare nei diversi contesti educativi, e fornisce anche gli strumenti pratici – esempi, giochi ed esercizi – per mettersi a «farla» sul serio, a scuola e nel tempo libero.

In questo libro, incentrato su testi finora inediti, il regista ha tradotto in parole l'indagine esistenziale condotta attraverso la macchina da presa. Pagine che comunicano l'intensità e le atmosfere dei suoi lungometraggi, il fascino e l'indipendenza di un'arte che ha trasceso radicalmente la piatta superficialità della moderna civiltà dell'immagine. Andrej Tarkovskij è stato l'ultimo rappresentante della grande tradizione cinematografica russa, ancora oggi in grado di esercitare una decisiva influenza sul cinema d'autore contemporaneo. La sua è stata una lezione di regia pura, sorretta da un'eccezionale maestria tecnica mai fine a se stessa e sempre al servizio di un'intensa ricerca spirituale. Tarkovskij si è tenacemente opposto al materialismo sovietico a partire dalla sua stessa opera, un caleidoscopio di visioni mistiche e bagliori di profondo lirismo che restituiscono piena dignità alla condizione umana e al suo disperato bisogno di fede.

A cura di Marcello Ghilardi. I Discorsi sulla pittura del monaco Zucca Amara di Shitao (inizi del XVIII secolo) costituiscono uno dei testi più importanti e originali del pensiero estetico cinese, e condensano la maggior parte delle idee filosofiche sulla pittura discusse nel corso dei secoli precedenti da letterati, calligrafi e pittori. I diciotto brevi capitoli del trattato, di cui si offre per la prima volta in traduzione italiana un’ampia antologia, si presentano non soltanto come un’ottima introduzione all’estetica pittorica cinese, ma anche come densa riflessione sul significato profondo della produzione artistica, dell’incontro tra uomo e natura, del rapporto tra arte e vita.

Chagall, pittore, poeta, mistico. In cinque irresistibili quadri – esposti al Musée du Message Biblique di Nizza – interpreta il Cantico dei Cantici con l’alfabeto dei colori, della fede e dell’amore. Pierluigi Lia, attraverso pagine di rara bellezza, introduce il lettore nel fantastico mondo di Chagall, le cui immagini impastate di Bibbia incantano e seducono chi ha occhi per contemplare e cuore per amare.

Etienne Souriau (1892-1979) inizò nel 1941 la sua docenza di Estetica alla Sorbona. ha scritto questo piccolo classico del pensiero francese del Novecento si rivolge al mondo animale come luogo primigenio del sorgere dell’estetica. Infatti, sebbene la natura sembri agire solo per necessità, negli animali esiste una sensibilità particolare al suono, al movimento, al colore, ma soprattutto al buon esito dell’opera. Il canto dell’uccello, il ragno che tesse la tela, il mollusco che emana la conchiglia, non sono solo i prodotti di un’attività strettamente "emissiva", perché l’animale si adopera affinché la sua opera migliori e si perfezioni. Questo splendido trattato sul gusto degli animali è consigliato a un pubblico non solo di appassionati di filosofia e delle arti, ma anche a tutti quei lettori che desiderano saperne di più del mondo animale.

Un omaggio a Pina Bausch attraverso lo sguardo di uno dei maestri indiscussi del cinema mondiale. La grande coreografa Pina Bausch non c'è più: è scomparsa improvvisamente due giorni prima dell'inizio delle riprese. Ma in questo film c'è tutta l'eredità della sua arte, quella di una principessa della danza che vede dentro l'anima, a occhi chiusi. Pina è la danza descritta nella sua verità di carne e di sangue, una festa con cui Wim Wenders cattura lo spirito dell'artista e restituisce il senso del suo originale insegnamento.

La bibbia – per secoli rimasta segreta – per gli attori del Nō, fin da quando Zeami Motokiyo perfezionò il genere drammatico e scrisse per esso numerose note. Il Nō è una forma drammatica composta in sostanza da mimo o recitazione, canto poetico e musica, eseguiti su un palcoscenico del tutto disadorno, a eccezione di quattro colonne e la raffigurazione di un grande albero di pino sullo sfondo. Per alcuni drammi possono esservi dei semplici arredi scenici, ridotti agli elementi essenziali e raffinati al punto da costituire mere suggestioni. Tale minimizzazione costituisce l’essenza della stessa rappresentazione drammatica. Tutte le complicazioni non necessarie vengono eliminate e la presenza principale di fronte allo spettatore è una non-presenza, uno spazio e un tempo vuoti. È per questo che qualsiasi parola, movimento o suono – per quanto lieve – assume una rilevanza straordinaria. I samurai di alto rango praticavano la recitazione, la danza e il canto del Nō con sincero entusiasmo, poiché lo collegavano in parte alla perfezione di una cultura superiore e in parte allo studio del Buddhismo Zen, e talvolta perfino all’arte della spada. Ancor oggi, il Fūshikaden viene letto con molta assiduità, confermando con la sua stessa brevità l’affermazione secondo cui “lo studio del Nō è in realtà lo studio della cultura giapponese in generale”.