Bellezza senza Tempo è un libro sulla Bellezza profonda che traspare nelle opere degli artisti ispirati e sulla Bellezza che si cela nella Natura stessa e talvolta nella vita degli esseri umani. Costruito come un lungo viaggio alla ricerca della Bellezza, tra la vita delle arti e le arti del vivere, John Lane ci mostra e insegna come scorgere la Bellezza nei manufatti artigiani dei popoli nativi e dai monumenti delle civiltà più lontane sino alle opere d'arte occidentali, dall'antichità classica fino all'era moderna.
Insieme è anche una indagine filosofica sulla Bellezza e sulla sua riscoperta in una epoca dominata dal suo opposto: la Bruttezza. Non è però solo una rassegna sulle idee di Bellezza quanto sopratutto un invito a farne diretta esperienza: una guida a saper guardare oltre la trama della realtà quotidiana (fisica e mentale) per scorgere quel Bagliore dell'Eterno e Conoscenza della Totalità che svela l'anima mundi e nutre il mondo dell'anima, insieme fonte di trascendenza e trascendenza del mondo.
Un libro bello perchè scritto con quell'amore che lo rende tale e che tra mille cenni di storia, arte, filosofia e spiritualità sulla Bellezza, ne potrebbe svelare persino, ad una lettura attenta, qualche possibile Suo indirizzo.

Ideatore del metodo "iconologico" di lettura di un’opera d’arte, un metodo che sfrutta tutte le testimonianze figurative come fonti storiche, Aby Warburg (1866 –1929), è considerato uno dei più eccentrici, poliedrici, complessi studiosi del nostro secolo.

Il lavoro di Gombrich, condotto sulla massa dei suoi testi, allora inediti, conservati al Warburg Institute, restituisce al lettore e allo studioso tutto il fascino di un personaggio di eccezione. Al di fuori di ogni compiacimento e di ogni manierismo, la personalità di Aby Warburg è messa in luce, in quest’opera mai uguagliata, nella sua quotidianità, spesso faticosa, nel suo geniale individualismo, nella drammaticità del suo travaglio personale, culturale e umano.

Tina visse a Udine, Parigi, Hollywood, San Francisco, Mosca, Madrid, Berlino, Città del Messico, in una fittissima rete di relazioni con pittori, fotografi, poeti, rivoluzionari, funzionari politici e combattenti; sperimentò in prima persona la miseria, l'emigrazione e la solidarietà di classe, la lotta politica nei suoi aspetti più nobili come nei più sordidi, l'anticonformismo delle avanguardie artistiche, il talento individuale immerso nell'impegno collettivo verso il riscatto sociale e la libertà. Stroncata da un infarto nel 1942 a Città del Messico a soli 46 anni, e trascurata negli anni del Dopoguerra tanto sotto il profilo artistico che politico, Tina Modotti è stata riproposta all'attenzione da qualche anno, grazie alla rivalutazione mondiale del suo talento di fotografa e alla ricostruzione del suo percorso di militante politica comunista.

Queste specifiche tecniche sono qui descritte nella forma di una sequenza sorprendentemente semplice e riproducibile, che spesso ha determinato intuizioni rivelatrici nel campo del lavoro, della scienza e dell’arte.

In questo quinto volume vengono messi in rilievo gli impulsi provenienti dal terzo e quarto periodo di civiltà, cioè dalla civiltà egizia e da quella greco-romana, sull'arte cristiana dei primi secoli e la trasformazione della figura del Cristo che da immagine cosmica, come era visto l'umo nell'imagine greca, diviene immagine individualizzata, conforme al modificarsi dello stato di coscienza dell'umanità.

In questo quarto  volume viene esaminata la scultura greca e un raffronto con quella del quattrocento italiano ed una seire di considerazioni sull'arte medievale della miniatura.

In questo terzo  volume viene esaminata l'arte fiamminga fino al quindicesimo secolo e viene fatto un raffronto fra la Disputa e la Scuola d'Atene di Raffaello e Durer.

In questo secondo volume viene esaminato lo sviluppo dell'arte tedesca dal medievo sino a Durer, tutto sommato poco nota in Italia, facendone rilevare gli impulsi che mettono più in evidenza l'individuo e le sue aspirazioni, contraposti a quelle delle arti del sud che sono ancora legati all'elementro del popolo. L'ultima parte è interamente dedicata a Rembrandt del quale si evidenzia l'importanza per l'affermarsi dell'individuo, dell'uso raffinato del chiaroscuro.

Le conferenze qui raccolte, tenute dal 1888 al 1921, trattano di estetica contemporanea, di come l'esperienza artistica, mediata da forme, colori e suoni sensibili, si rapporti all'esperienza dei mondi spirituali, di come e perchè sia necessario, che questi due ambiti di esperienza si compenetrino sempre più.

Oggi é possibile approfondire e rafforzare notevolemente l'impulso verso le arti attraverso la connessione che può essere stabilita tra le diverse arti, il corso dell'anno e le sue festività.

Nel momento in cui dei contenuti psichici vengono proiettati su una superficie pittorica, il loro valore espressivo e simbolico comune rivela – tramite la creatività – le leggi universali della creazione. Attraverso l’analisi delle proporzioni, dei colori, della prospettiva, dei numeri, dell’equilibrio e della luce lo spettatore può divenire consapevole del significato del gesto pittorico e capire il perché delle sue emozioni, d’ammirazione o di biasimo che siano, di fronte a un’opera d’arte o a qualunque altra rappresentazione figurativa. Tutte le immagini, a prescindere dalle differenze di natura estetica, sono espressioni della psiche umana la quale si manifesta sempre e ovunque con modelli strutturali e simboli affini. Immagini moderne, quelle della tradizione antica o immagini sorte spontaneamente dall’inconscio, proposte e analizzate dall’autrice, insegnano qui l’arte del vedere e del comprendere.

La scrittura cosciente rappresenta un disegno inconscio, un disegno di sé, un autoritratto. Visualizzare nelle immagini artistiche la dinamica del gesto scrittorio. Siano capolavori dell'arte e opere più modeste, le produzioni artistiche aiutano ad allenare lo sguardo, a sentire la qualità delle linee, il valore della forma e delle proporzioni, il senso del pieno e del vuoto. Di sicuro apporto professionale alla grafologia, il volume contribuisce ad ampliare l'interesse per questa disciplina presso un largo pubblico, tra cui storici dell'arte e addetti allo studio della comunicazione. Il libro può essere utilizzato addirittura come piacevole manuale di interpretazione di massima della propria e dell'altrui scrittura. «Cosa fa, a ben guardare, il grafologo – scrive l'autrice – se non attribuire un significato psicologico all'espressività insita nella scrittura? È percependo le forme e i movimenti della grafia che egli arriva a coglierne la capacità espressiva per poi tradurre questi dati visivi in dati psicologici».

Arte, meditazione e creatività sono gocce dell'oceano infinito dell'Essere, mare del Tutto. Ma sono anche specchi in cui si riflettono gli incantesimi dell'Universo. Da queste certezze nasce il viaggio proposto da L'artista interiore che insegna in che modo esercitare la creatività meditativa e liberare l'essenza del segno grafico. Il cammino si dipana come un lungo confronto con il mondo dei chakra, le loro proiezioni sul piano fisico, le loro corrispondenze con i colori ed i cristalli. Questo paradiso di simboli e di analogie, trova per chi lavora con l'anima e non solo col gesto, la sua massima espressione nella creazione degli yantra e dei mandala, ovvero di quei simboli geometrici in cui, secondo la tradizione orentale, si rivela la potenza divina. Il libro presenta otto yantra angelici ed una serie di esercizi creativi che aiutano a sviluppare le virtualità energetiche e curative della pittura e del disegno.

"Le sorgenti della musica" offrono un affresco acuto ed equilibrato dello stato delle conoscenze etnomusicologiche, con i loro quesiti e i loro problemi. Mettendo in opera la sua fine erudizione, Sachs fornisce un'analisi delle varie culture musicali attraverso un confronto critico, che naturalmente vede in primo piano i riferimenti alla musica colta della tradizione europea.