Chi ama la pittura bizantina e in particolare l'iconografia cristiana troverà in questo libello, conservato gelosamente nei monasteri del monte Athos, le regole, codificate nel corso di secoli, per la corretta realizzazione di un'icona, e quindi per la prima volta avranno a disposizione gli strumenti per interpretare correttamente e per apprezzare completamente questo particolare tipo di produzione artistica.

I cristiani hanno ereditato il comandamento :«Non farai immagini!» e, come gli ebrei che glielo hanno tramandato, lo hanno interpretato come una proibizione di ogni immagine religiosa. Molto presto tuttavia (le prime testimonianze risalgono alla fine del II secolo), i cristiani hanno ritenuto di esprimersi attraverso le immagini, testimonianze sono gli affreschi o i bassorilievi delle tombe. A questo proposito normalmente si evocano le celebri immagini del pasto eucaristico o dei pesci. Ma esse sono anteriori al cristianesimo e la loro interpretazione è meno scontata di quello che sembri....

In questo libro vengono presi in considerazione diversi tipi di architettura rappresentativi del Medio Evo occidentale: l’architettura religiosa (secolare e monastica), l’architettura militare e l’architettura laica (civile e residenziale). L’evoluzione stilistica e tecnica delle diverse forme di costruzione è trattata in maniera cronologica per coprire il periodo che intercorre tra il IV e il XV secolo.

L'artista non dispone delle proprie facoltà a piacimento, ma è soggetto all'estro, all'ispirazione, alla suggestione del "momento felice" che deve in un certo senso presentarsi da sé. Nel campo del paranormale ci imbattiamo invece in fenomeni che vanno ben al di là di questo carattere di imprevedibilità e di relativa indipendenza, e troviamo produzioni artistiche che sorgono senza la partecipazione cosciente dell'autore, che è in genere persona ignara d'arte, che si mette improvvisamente a disegnare o dipingere sotto l'impulso di una forza che sente estranea a sé.(...)

Grazie alla sua stupefacente dottrina, Matila Ghyka scioglie una serie infinita di misteri. Il suo libro è – oltre che un’altissima avventura intellettuale – anche una vera e propria “chiave a stella” che apre la porta su conoscenze finora impervie perché velate da un simbolismo lontano dai nostri modi di pensare, da riferimenti a cose che abbiamo dimenticato.

Liberty, Jugendstil, Modern Style, Secessione sono solo alcuni dei molti nomi che prende, in Europa, un movimento che tra la fine dell'Ottocento e i primi decenni del Novecento trasforma e "modernizza" il gusto estetico corrente. Un movimento che si irradia dalla Francia e dal Belgio e che per questo prende il nome di Art Nouveau. Uno stile lineare e floreale, di forte impronta decorativa, pervade non solo e non tanto le arti figurative quanto la vita quotidiana del tempo: dalla grafica all'arredamento, dalla gioielleria alla ceramica, dall'architettura all'industrial design. Tra i nomi più noti tra quelli accostabili al movimento troviamo Klimt, Van de Velde, Mucha, Horta, Tiffany, Gallé, Hoffmann e Guimard, l'artefice delle celeberrime entrate del métro parigino. E' un libro sulle forme del Liberty, sui suoi materiali, sulla sua penetrazione nella vita quotidiana. Un approccio nuovo e originale, che si fonda sullla forza delle immagini.

Howard Gardner in Verità, bellezza, bontà esplora il significato di queste tre virtù in un'epoca in cui il progresso tecnologico e un diffuso atteggiamento scettico nei confronti della natura umana hanno scosso profondamente la nostra visione morale. La sua analisi mostra che sebbene questi concetti stiano cambiando più velocemente di quanto abbiano mai fatto sinora, essi sono, e resteranno, pietre angolari della società. Per molto tempo si è parlato di morte delle virtù: il vero, il bello, il giusto si sono dissolti in una molteplicità infinita di modi di pensarli e interpretarli. Ma la tendenza sta cambiando e ci si è accorti che occorre qualche criterio per discriminare tra ciò che è vero e ciò che è falso, tra ciò che è bene e ciò che è male, tra ciò che è arte e ciò che non lo è. Questo senza dimenticare che l'epoca in cui viviamo e il futuro che ci attende impongono di saper conciliare e confrontare idee di verità, bellezza, bontà provenienti da diverse culture e diversi contesti, di rispettare percezioni differenti delle cose.

In questo libro vengono interpretati in chiave esoterica due quadri di Leonardo, il Bacco e il Giovanni Battista, con lo scopo di rintracciarvi un messaggio «neoplatonico» ed un riferimento alla mitologia tradizionale e ai suoi «misteri». L’Autore si basa esclusivamente sul simbolismo pittorico, e ciò può apparire in contrasto con alcuni atteggiamenti dello stesso artista, oltre che con l’imposizione essenzialmente «scientifica» dei suoi studi e delle sue ricerche.

In questo libro Steiner presenta l'importanza dell'arte come manifestazione dello spirito in forme, colori, parole e suoni nel corso dell'evoluzione.

"Le sette lampade" sono un appassionato discorso sui principi dell'architettura, tenuto sul filo di una costante analogia fra esperienza etica ed estetica. Sono le leggi fondate sulla natura dell'uomo, e non sul sapere, che l'autore organizza intorno a sette grandi capisaldi che hanno il compito di indicare i termini entro cui correttamente si pone la pratica dell'architettura.

Perché leggere questo testo tanto fondamentale e fondativo del Teatro degli Oppressi a distanza di decenni? Ci sono tre buoni motivi. Prima di tutto per ritrovare le origini e le radici storiche del Teatro degli Oppressi nella lotta politico-teatrale per liberare dall’oppressione. Ritrovare le radici vuole dire recuperare l’attenzione agli aspetti politici ed etici, non lasciarsi sopraffare dall’agire quotidiano e dalle lusinghe del mercato, avere antenne sensibili per prevedere le trappole possibili. Il secondo motivo è che contiene parti tecniche fresche e ancora attuali come il teatro-mito, il teatro-feuilleton, il teatro-giornale, e poi, ancora, strumenti usati alle origini, tecniche più antiche e meno pregnanti del teatro-forum, in cui è chiara la scelta poetica di attivare lo spett-attore, di dialogare col pubblico.

Quali sono le basi di una musica così rigorosamente improvvisata? Come possono convivere l’uso dei matrimoni combinati e l’esaltazione dell’amore, aspetti ascetici e altri di prorompente sensualità? Chi si accosta alla cultura indiana non può che essere assalito da interrogativi: a quali canoni artistici obbediscono le immagini, che paiono di proposito così poco naturalistiche Come mai, quasi sempre, non si sa nulla della biografia degli autori delle opere d’arte? Su quali presupposti si fonda l’assetto, scandalosamente non egualitario, del sistema delle caste? Perché la donna è così sottomessa e al tempo stesso così celebrata? Nella raccolta di saggi che qui presentiamo Coomaraswamy risponde a ciascuna di queste domande, delineando un mondo remoto in cui l’artista non si propone di esprimere se stesso né ambisce all’originalità, e in cui l’organizzazione sociale non mira a soddisfare le pulsioni individuali, a incoraggiare la competizione e massimizzare il profitto economico...

L'arte è fuori di sé perché sta attraversando una crisi d'identità senza precedenti, intrappolata in un sistema autoreferenziale per addetti ai lavori, pilotato più da logiche di mercato e di immagine che da una sincera ispirazione, lontano dal vissuto e dalle sensibilità della gente. L'arte è fuori di sé perché sono esplosi tutti i codici e i confini. Il pubblico e gli stessi studiosi faticano a valutare che cosa sia arte e cosa non lo sia, e molti la confondono con la pubblicità, il design, la comunicazione, o con la mera replica di frammenti di realtà. Ma l'arte è fuori di sé soprattutto perché la rivoluzione digitale ha generato una trasformazione antropologica dei comportamenti e delle relazioni sociali, che incide profondamente sull'identità dell'arte e sul ruolo dell'artista. L'arte che esce da sé, in senso positivo, può svolgere una funzione simbolica e pratica di antidoto alle patologie dell'età post-tecnologica, spostando il baricentro dalla creazione individuale a quella collettiva, dall'opera compiuta al processo aperto, dalla centralità dell'artista "genio" allo spettatore, con una circuitazione completamente diversa, gratuita e molto più partecipata degli eventi artistici.

Il cinema italiano è tutt'altro che morto: in confronto ad altre cinematografie sta benissimo e fa quotidianamente discutere. Le polemiche su I cento passi di Marco Tullio Giordana, Gomorra di Matteo Garrone o Baarìa di Giuseppe Tornatore ne sono solo un esempio. Lontano da ogni tentativo di costruire gerarchie o cataloghi esaustivi, Gianni Canova propone una lettura del cinema italiano attraverso l'analisi critica di 100 film attentamente selezionati. Mettendo da parte il criterio delle "privatissime predilezioni del critico", l'autore discute le opere che «da più di un punto di vista appaiono imprescindibili per capire il rapporto che il cinema italiano del nuovo millennio intrattiene con l'immaginario collettivo e con il modo in cui l'immaginario stesso sta cambiando».