L'arteterapia ha lo scopo di ridurre gli effetti degli stress emotivi e dei traumi psichici, ma serve anche per aiutare a scoprire il proprio io e per promuovere la crescita personale. Nei primi capitoli è spiegato in che cosa consiste l'arteterapia, cosa comporta l'espressione artistica a livello psicologico, quali le tecniche e i materiali necessari. I capitoli successivi trattano di come usare l'arte per esprimere i sentimenti o per affrontare la malattia e come lavorare con l'arteterapia in gruppo. Ricco di figure e di indicazioni pratiche e semplici, è un volume di taglio orientativo e pratico. Si rivolge ad arteterapeuti ma anche a insegnanti, educatori e, più in generale, ai genitori. Titolo originale: ''The Art Theraphy Sourcebook'' (2007).

Due modi di rappresentazione appaiono nell'Iliade: Il primo si ha quando Omero descrive lo scudo di Achille: è una forma compiuta e conchiusa in cui Vulcano ha rappresentato tutto quello che egli sapeva e che noi si sa su una città, il suo contado, le sue guerre i suoi riti pacifici. L’altro modo si manifesta quando il poeta non riesce a dire quanti e chi fossero tutti i guerrieri Achei: chiede aiuto alle muse, ma deve limitarsi al cosiddetto, ed enorme, catalogo delle navi, che si conclude idealmente in un eccetera. Questo secondo modo di rappresentazione è la lista o elenco. Ci sono liste che hanno fini pratici e sono finite, come la lista di tutti i libri di una biblioteca; ma ve ne sono altre che vogliono suggerire grandezze innumerabili e che si arrestano incomplete ai confini dell’indefinito...

John Ruskin, anche nei periodi di più intensa attività, quando dalla sua penna nascevano opere quali i Pittori moderni o Le pietre di Venezia, dedicava diverse ore al giorno al disegno e alla pittura. Rarissimo esempio di teorico capace di tradurre in pratica artistica i princìpi che enunciava, nell’inverno 1856-1857 decise di acconsentire a suo modo alle richieste di tanti aspiranti allievi, e scrisse Gli elementi del disegno. Da allora innumerevoli studenti, dilettanti e artisti di fama hanno letto questo manuale con pari ammirazione, e se l’autore proclamò di avervi trasfuso il metodo di Leonardo, Monet non esitò ad affermare che i nove decimi dell’impalcatura teorica dell’Impressionismo erano contenuti nelle sue pagine...

Una storia breve, sintetica ma estremamente densa del pensiero estetico sulla musica dal settecento al novecento. Le idee cruciali che caratterizzano ogni periodo storico, le discussioni, le polemiche, sono riprese dai testi originali in cui furono sviluppate.

A suon di milioni di dollari, oggetti importantissimi, che restano stupendi ma sono ormai privati del loro passato, sradicati dai propri contesti e diventati "muti", sono stati acquistati da dozzine di grandi musei internazionali, americani ed europei, e dalle massime collezioni private del mondo, spesso le più misteriose. Solo una piccola parte è stata finora restituita, ed esposta per la prima volta al Quirinale. Sulla base di interviste e documenti giudiziari, viene ricostruito, come non era mai stato fatto, il massimo saccheggio d'arte e cultura che ha colpito un Paese occidentale nell'ultimo secolo. Alcune vicende, inedite, sono degne di un thriloler o di un "giallo". E restano ancora fittissimi misteri.

Dalla Prefazione all'edizione Italiana: " Con quest'opera l'autrice ci accompagna nel mondo del colore, introducendoci in esso a partire dalle forze creative di luce e tenebra. Si tratta qui della metamorfosi dell'elemento artistico in quello terapeutico, per incontrare nei colori le loro proprietà curatrici a partire dalla ricerca della loro essenza generante il mondo. I colori vengono così caratterizzati nella loro specificità, esplicitamente ci viene presentato il nesso con la storia evolutiva umana, nonché con le qualità intime della singola anima. Ogni colore, preso di volta in volta in considerazione, viene collegato al cammino dell'uomo relativamente alla situazione del suo stato di coscienza e del suo rapporto con il mondo durante le successive epoche di cultura..."

L’esempio perfetto di quella fusione fra Oriente e Occidente che tanti hanno invocato e pochissimi sono riusciti ad attuare è stato sicuramente Ananda K. Coomaraswamy. In più di mille pubblicazioni, fra il 1904 e il 1947, ha toccato i più svariati temi del pensiero, dei riti, della simbolica e dell’arte occidentali e orientali. Con immensa erudizione, e sempre tenendosi il più possibile vicino ai testi e ai monumenti figurati, ha illuminato i fondamenti della concezione indiana dell’arte, ma anche di quella dell’Occidente medioevale, e individuato le molteplici risonanze dei simboli attraverso il tempo e le civiltà...

Che cos’è la poesia? È forse una modalità di espressione per soli addetti ai lavori, oscuro e privo di interesse per i più che lo trovano noioso, difficile, fondamentalmente inutile? O è un modo particolare di leggere la realtà e comunicarla, che può aiutare a comprendere meglio il mondo circostante e noi stessi? Donatella Bisutti, in questo libro ricco di esempi e citazioni, spiega come funziona il linguaggio poetico – con le sue regole, i versi, le rime, la metrica, le metafore, i giochi delle parole e delle immagini e così via – e dimostra quanto questo linguaggio riguardi noi tutti, chi scrive come chi legge. La poesia infatti non è solo una tecnica che impiega oggetti come le parole, bensì un alfabeto del mondo che ne svela i segreti.

Ecco le tre regole auree: non temere di combattere ciò che è consolidato (una fabbrica svedese ha abolito al suo interno le gerarchie e ogni operaio "firma" il pezzo che ha prodotto); fare prevalere l'umano sulla routine, come è stato fatto in una scuolamaterna di Reggio Emilia; vincere la pigrizia. Lo spirito creativo è l'anima stessa della vita e per vivere in quest'epoca di omologazione bisogna scoprire come usarlo al meglio. Occorre fare proprio il motto di un disegnatore di cartoons che afferma: "Per disegnare un coyote devi averlo dentro di te".

Kandinsky, in una lettera del 1925, alludendo alla sua pittura, scriveva: «È come un pezzo di ghiaccio entro cui brucia una fiamma». Ma lo stesso si potrebbe dire del libro che egli avrebbe pubblicato pochi mesi dopo, Punto, linea, superficie, testo capitale e rinnovatore per la teoria dell’arte e non solo per essa. Fra tutti i grandi pittori del ’900 Kandinsky è quello che forse più di ogni altro ha sentito l’esigenza di dare una formulazione teorica ai risultati delle proprie ricerche e di allargarne il significato toccando tutti i piani dell’esistenza...

Centinaia di immagini di splendide opere conservate in musei e collezioni di ogni parte del mondo. Un volume decisamente completo su uno dei generi pittorici più praticato nell'arte di tutti i tempi.

Capire la pittura, la scultura, l'architettura, la grafica e la fotografia vuol dire conoscere e saper interpretare il linguaggio specifico attraverso cui si esprimono le arti visive. Il libro, accompagnato da un apparato iconografico estremamente ricco e funzionale, propone un viaggio affascinante attraverso il tempo e le civiltà, dalla preistoria fino ai giorni nostri, e si presenta come uno strumento indispensabile e una preziosa guida per leggere un'opera d'arte nella sua comunicazione corporea o visiva, attraverso l'armonia o il contrasto della forma, dello spazio, del colore, delle luci e delle ombre. A completamento dell'opera un utilissimo glossario un indice analitico.

L'opera teatrale di Alejandro Jodorowsky completa, dagli anni '50 e dai primi mimodrammi attraversando l'esperienza surrealista, l'effimero Panico e l'avanguardia messicana, fino ad arrivare ai giorni nostri. Qui vengono proposti i testi integrali sia della produzione più recente che di quella passata. I testi sono corredati da alcuni commenti di Jodorowsky intorno e sul teatro, che lui stesso ha inserito come introduzione ai diversi periodi della sua vita artistica, tracciando quindi un percorso compiuto della sua avventura teatrale dagli esordi fino ad oggi. Il teatro rappresenta un volto stilistico di Jodorowsky inedito al grande pubblico, che riafferma la forte identità di un artista che non appartiene a nessuna scuola né ad alcuna corrente - pur avendole attraversate tutte - e che si muove a suo agio nella poesia come nella letteratura, nel romanzo come nel cinema, nel fumetto come nel saggio.

Cornelius Castoriadis, prima che il dibattito sulla crisi dell'arte contemporanea s'aprisse, aveva posto con singolare lucidità la questione del senso e del futuro della creazione artistica. La sua diagnosi era preoccupante: l'attuale collasso della creatività implica al contempo tanto il passato quanto il futuro. Il passato perché "dove non c'è presente non c'è neppure passato". Il futuro perché "la memoria vivente del passato e il progetto di un futuro valorizzato scompaiono insieme". In quest'ultimo quarto di secolo nulla è venuto ha contraddetto quella diagnosi. Molti dei testi inclusi nella presente raccolta (sulla musica, sulla funzione della critica, sull'arte come "finestra sul caos"…) ampliano le riflessioni dell'autore sui rapporti tra la creazione artistica, la società democratica e l'enigma dell'opera d'arte, nonché sul rapporto paradossale che si instaura tra il creatore e la collettività...