Ricco di citazioni e di riferimenti culturali, musicali e filosofici, questo testo a carattere didattico e divulgativo ci introduce, attraverso un’analisi approfondita delle più diverse forme di ritualità sacra e cerimoniale del passato e di sperimentazione artistica e musicale del presente, alla conoscenza e allo studio di quella "coscienza risonante" comune che dall’alba dei tempi si è andata manifestando nelle diverse tradizioni religiose della Terra, e che ai nostri giorni si esprime e prende forma attraverso la pratica del canto collettivo dell’Om – il Pranava o Suono Cosmico Primordiale – compiuta mediante le tecniche del canto armonico e della meditazione profonda. Ci immergeremo così in un viaggio affascinante e coinvolgente attraverso il tempo e lo spazio, per giungere infine ai giorni nostri e gettare da qui un seppur timido sguardo sui possibili sviluppi futuri di un’ipotetica "musica sacra dell’avvenire", che unisca fra loro passato e presente e li trasformi e sublimi in forme d’arte a carattere collettivo e rituale, i cui contorni sono ancora tutti da definire. Non siamo infatti che all’alba di una Nuova Era: l’oscurità della notte è passata, adesso non ci resta che attendere.

Nella storiografia musicale tradizionale, lo 'stile galante' occupa un periodo limitato a una trentina d'anni, schiacciato tra il 'barocco maturo' e lo 'stile classico'; esso era caratterizzato come "elegante, scherzoso, naturale, brillante, raffinato e ornato". Le ricerche di Gjerdingen però mostrano che il tratto distintivo dello stile galante consisteva in un particolare repertorio di frasi musicali standardizzate da usare in determinate successioni convenzionali. Non solo, ma questa caratteristica compositiva ebbe un'ampiezza territoriale e una pervasività stilistica che vanno a coprire gran parte della musica settecentesca, facendo sentire la sua influenza anche oltre. L'idea è che la parola 'composizione' presa nel suo significato letterale, come 'cum ponere', descriva esattamente il sistema di produzione della musica del Settecento, e anche di una parte significativa dell'Ottocento. Inteso così, lo 'stile galante' inizia col diciottesimo secolo ed estende la sua influenza a lungo anche nel diciannovesimo. 

Eric Rohmer, appassionato di musica, in certi casi compositore di temi musicali per i suoi film, applica la propria “teoria delle forme” all’arte di Mozart e Beethoven. Seguendo un excursus storico, svolge un’analisi in cui il tecnicismo critico è costantemente mitigato da una scrittura che procede con l’enfasi e l’entusiasmo di un informale parlato. La musica, soggetto privilegiato, viene rapportata anche alle altre arti, ripresa secondo le parole e la prospettiva di filosofi, critici, musicisti, scrittori, pittori. Viene così a completarsi il pensiero del regista sviluppato nella raccolta dei suoi articoli (La celluloide e il marmo) riguardanti il rapporto tra le arti e il cinema: la musica è l’unica vera sorella del cinema in grado di cogliere il reale nel suo darsi, permettendo contemporaneamente, in maniera kantiana, un’apertura alla nostra libertà.

I tre volumi di "Lyrics" raccolgono tutta la produzione poetica di Bob Dylan, organizzandola cronologicamente e arricchendola di una traduzione e un apparato di note, entrambi a cura di Alessandro Carrera. Un patrimonio di informazioni che facilita al lettore l'impresa di addentrarsi fra gli innumerevoli riferimenti, richiami e citazioni di cui Dylan si serve liberamente, attingendo di volta in volta al patrimonio folklorico, alla Bibbia o alla poesia inglese e americana, da Shakespeare a Ginsberg. Il terzo e ultimo volume abbraccia gli anni dal 1983 al 2012, ovvero fra gli album "Infidels" e "Tempest", anni che vedono un Dylan all'apice dei suoi mezzi poetici chiudere il Ventesimo secolo con le sperimentazioni degli anni ottanta e novanta, e inaugurare da par suo il nuovo millennio con "Love and Theft".

La canzone napoletana studiata e raccontata non nei suoi aspetti folcloristici piú standardizzati, ma come mito che affonda negli archetipi musicali piú antichi, come sonorità rimosse dalla memoria e affioranti dove meno te l'aspetti: in un mercatino domenicale dove si vendono dischi di prima della guerra o nel negozio di un barbiere cantante che conserva tradizioni perse nei secoli. Roberto De Simone ci conduce in una ricerca che diventa inventario di testi e musiche, ma anche racconto di personaggi, di luoghi, di rappresentazioni popolari devote e profane. Sempre nei libri di De Simone alto e basso, popolare e colto si intrecciano indissolubilmente; cosí avviene anche in questo libro, che insieme al saggio sul Presepe napoletano è forse il suo capolavoro, la summa delle sue ricerche e della sua antropologia culturale. Dunque nelle pagine della Canzone napolitana l'arte canterina di un anonimo venditore ambulante e la raffinata poesia di Salvatore Di Giacomo vanno a braccetto fra loro, come i melodrammi di Rossini e Donizetti e la performance di tre femminelli in processione a un santuario. 

Nel suo libro La Voce: un approccio spirituale per cantare, parlare e comunicare, Miriam Jaskierowicz Arman ci spiega la sua tecnica vocale Giro Vocal Motion indicata per qualsiasi livello e utilizzo della voce – dal cantante di ogni genere musicale all’oratore, dal professionista al dilettante – per gli insegnanti e vocal coach, deejay e speaker, ma anche logopedisti e laringoiatri. Lo scopo è quello di formare lo strumento (la Voce) per ‘lavorare’ senza sforzo fisico, per mantenere l’integrità dello strumento vocale e farlo uscire con il suo massimo potenziale. Una totale ricostruzione dello strumento è possibile per le persone che hanno perso la loro voce, subiscono oscillazioni e/o perdita di voce/squilibri vocali o generalmente non sono in grado di raggiungere una linea vocalmente perfetta senza stress vocale.

La scoperta della musica davanti alla porta (chiusa) della cameretta del fratello maggiore; i primi concerti, ai matrimoni, con il professore di latino; il cabaret con i Trettré nella Napoli fervida degli anni Settanta, quella della Smorfia di Massimo Troisi, quando ancora era uno studente di architettura (ma cos’è l’architettura se non musica congelata, diceva Goethe). E poi l’incontro con Gino Paoli, il primo Sanremo nel 1986 sotto la neve con Zucchero, il “pronti-partenza-via” con Elio e le Storie Tese dieci anni dopo, la partecipazione ad Amici di Maria De Filippi, fino all’hashtag diventato virale nei giorni del Festival 2016, #usciteVessicchio.Ma dal giorno in cui una goccia d’olio si stacca da una pizza mangiata fortunosamente in macchina e cade beffarda sui suoi pantaloni, Peppe Vessicchio ha iniziato a domandarsi se la musica fosse tutta lì.

Pavia: qui tutto è cominciato. Perché a Pavia è facile incontrarsi. Perché a Pavia è facile mischiare passioni, canzoni, persone. "La mia prima volta con Fabrizio De André": una raccolta di testi cominciata in sordina, tra amici, nel giugno 2013, con un sommesso passaparola e senza nessuna idea di dove saremmo andati a parare. La situazione ci è poi esplosa tra le mani, si è estesa via mail, via facebook e non sappiamo bene come. E sono arrivati testi da ogni parte: Genova e la Liguria, Milano, Roma, Ferrara, Brescia, il Friuli, l'Emilia, l'Abruzzo, la Basilicata... E ognuno racconta incontri con Faber vissuti lontano, lungo la penisola e oltre, fino all'Alaska e all'Argentina. Perché è lui, Fabrizio De André, che chiama all'appello, è lui che ancora continua a generare passioni e ad unire vite e generazioni.

Con l'intelligente ironia che lo contraddistingue, Stefano Bollani traccia un personale catalogo dei grandi della musica; non li affronta però come «monumenti» intoccabili, li racconta da vicino. Ne viene fuori una ricca e umanissima galleria di personaggi, da Louis Armstrong a Gorni Kramer, da Renato Carosone a Francis Poulenc, da Nino Rota a Frank Zappa, e poi Elis Regina, Maurice Ravel, Billie Holiday, George Gershwin, Henry Purcell, João Gilberto, Erik Satie, Astor Piazzolla, passando per figure meno note ma non meno importanti, come Nadia Boulanger, Wanda Landowska, Belinda Fate. 

È il giugno del 1997 quando, durante una delle tre tappe del tour di Ornette Coleman a “La villette” di Parigi, uno spettatore particolare e molto attento, si erge dal pubblico e inizia a porre domande al compositore. Quel 23 giugno sarà consacrato a un incontro vis-à-vis tra due delle personalità più singolari ed eclettiche della scena culturale contemporanea: Ornette Coleman e Jacques Derrida. L’intervista, pur nella sua brevità, tocca i temi dell’armolodia, della democrazia, della civiltà e della civilizzazione, della globalizzazione, dell’assenza di leadership, dell’evento e del suo dispiegarsi.